Ripensando il Romanticismo nell’arte contemporanea

Non un omaggio al passato, ma un confronto aperto con ciò che nel Romanticismo continua a bruciare. Al CAMeC il paesaggio diventa ancora una volta esperienza mentale, emotiva e profondamente contemporanea.

Mentre ci guardiamo attorno, c’è un punto in cui il paesaggio smette di essere semplice sfondo e comincia a farsi domanda. Non è più soltanto un insieme di forme e colori, ma misura dell’inquietudine, del desiderio, della distanza tra l’uomo e ciò che lo supera. È da questa costante che prende forma “Ripensando il Romanticismo nell’arte contemporanea”, la mostra curata da Elena Volpato al CAMeCdi La Spezia, visitabile fino al 13 settembre 2026, che mette in relazione Caspar David Friedrich, John Constable e William Turner con sette artisti contemporanei.

Uno degli aspetti più interessanti del progetto sta proprio nel fatto che evita il semplice gioco delle corrispondenze tra Ottocento e contemporaneo. Il romanticismo non viene chiamato in causa come repertorio di immagini o come categoria da aggiornare meccanicamente, ma come campo di tensioni che continua a riaffiorare. La mostra segue questa linea con misura, soffermandosi su alcuni modi di guardare, su alcune intensità, su un rapporto con la natura che oggi non coincide più con la contemplazione, ma non ha nemmeno smesso di cercare nel visibile qualcosa che resiste.

Questa ipotesi prende corpo attraverso sette artisti — Giovanni Anselmo, Massimo Bartolini, Ian Kiaer, David Schutter, Linda Fregni Nagler, Pesce Khete e Michele Tocca — chiamati non tanto a rendere omaggio a Friedrich, Constable e Turner, quanto a confrontarsi con questioni ancora aperte: il sentimento dell’infinito, la vertigine di fronte alla natura, la perdita di centralità del soggetto, il paesaggio come spazio mentale prima ancora che geografico. Più che una genealogia in senso stretto, ne emerge un dialogo ancora aperto.

Il nucleo dedicato a Friedrich è probabilmente il più sottile del percorso, dove il contrasto tra ieri è oggi è più evidente. Il paesaggio non appare come immagine compatta, ma come sensazione e soglia percettiva. Gli interventi di Anselmo, Fregni Nagler, Kiaer e Bartolini insistono su una condizione di instabilità: forme fragili, strutture sospese, emergenze minime che non descrivono il sublime, ma sembrano ricercarne la possibilità. Più che collocare il visitatore davanti a una scena, queste opere lo portano dentro una condizione di ascolto e di spaesamento, là dove il mondo sembra inglobarci.

Con Constable il discorso cambia tono. Alla tensione metafisica si sostituisce una prossimità più concreta, una fedeltà al dato visibile che non rinuncia però alla complessità. Michele Tocca raccoglie questa lezione nel modo più evidente: la pratica en plein air, il rapporto diretto con la natura, l’attenzione al gesto pittorico restituiscono alla visione una disciplina lenta, quasi un esercizio di rappresentazione del reale che, proprio nella sua concentrazione, finisce per spostarsi su un piano più mentale. In questo ritorno alla pittura dal vero non c’è tanto nostalgia, quanto il tentativo di capire quanto sia ancora possibile guardare senza sovraccaricare subito l’immagine di mediazioni e concetti.

Diverso è il caso di David Schutter, che da Constable sembra ricavare soprattutto una frizione critica. L’immagine del paesaggio, nella sua lettura, non è mai innocente: porta con sé una costruzione culturale, una gerarchia della visione, una sedimentazione ideologica. È un passaggio importante, perché evita che la natura venga assunta come dato neutro e introduce, dentro la linea romantica, una domanda più scoperta e contemporanea.

Il confronto con Turner apre infine la sezione più fluida e più interna del percorso. Nelle opere di Pesce Khete il paesaggio perde consistenza e si fa vibrazione ed energia attraverso il colore. Qui non si guarda tanto un luogo, quanto un campo percettivo in cui luce e segno producono emozioni e turbolenza interiore. Turner riaffiora allora non come modello iconografico, ma come possibilità di dissolvere la forma, di trasformare la visione in evento atmosferico e mentale. È forse uno dei momenti più riusciti della mostra, perché sposta il discorso dal tema del paesaggio alla sua esperienza

Il romanticismo non viene chiamato in causa come repertorio di motivi riconoscibili, ma come una tensione ancora viva, che riaffiora ogni volta che la visione incontra qualcosa che sfugge alla piena leggibilità. La mostra trova il suo punto più convincente proprio in questa apertura: nel dialogo tra sospensione, concretezza e dissolvenza, il percorso acquista ritmo e lascia emergere il romanticismo non come formula, ma come esperienza ancora attiva dello sguardo.

“Ripensando il Romanticismo nell’arte contemporanea” riesce così nel suo passaggio più delicato: non semplifica il passato per renderlo attuale, ma lo rimette in movimento. E suggerisce che il romanticismo, oggi, non sopravvive come stile o citazione, bensì come esigenza dello sguardo: ogni volta che il mondo torna a sottrarsi, e chiede allo sguardo di fermarsi prima di nominare.