Con 165 gallerie provenienti da 22 Paesi, giunge alla sua 59 edizione Art Cologne, la fiera d’arte più antica d’Europa
Giovedì 5 novembre sono stata alla conferenza stampa di Art Cologne, la fiera d’arte piú antica d’Europa, giunta alla sua 59 edizione. Tra la conferenza stampa e il percorso tra gli stand, mi sono portata via soprattutto due impressioni: la difficoltà di descrivere il mercato dell’arte attraverso formule generali e la vitalità e forte presenza nel mercato artistico della fotografia, anche quando a essere proposte sono opere realizzate diversi decenni fa. Due aspetti che, durante la visita, hanno finito per intrecciarsi. Perché una fiera racconta anche il modo in cui le opere tornano a circolare, incontrano un pubblico diverso e acquistano nuove possibilità di essere guardate.
Quest’anno la manifestazione riunisce 165 gallerie e mercanti d’arte provenienti da 22 Paesi. Il direttore Daniel Hug ha ricordato anche la presenza di espositori passati dalla prima Art Cologne Palma de Mallorca, tenutasi nell’aprile 2026. La fiera allarga così la propria geografia, pur mantenendo un legame molto forte con Colonia e con il collezionismo del Nord Rhein Westfalen. È una relazione sulla quale il direttore di Art Cologne è tornato più volte. In una fase in cui le reti regionali acquistano nuovamente peso, l’apertura internazionale trova sostegno anche nella continuità dei rapporti tra gallerie, istituzioni e acquirenti.
Dalla conferenza stampa è emersa la volontà di guardare al momento attuale con una certa fiducia, senza ignorarne le difficoltà. Tra boom e crisi esiste però una fascia ampia di situazioni. Parlare genericamente di un mercato in difficoltà serve fino a un certo punto perché bisogna chiedersi anche a quale mercato, a quali fasce di prezzo e a quali acquirenti si fa riferimento.
Prudenti negli importi
Nel confronto sul collezionismo tedesco (e non solo) mi ha interessato soprattutto il riferimento a un segmento intermedio, composto anche da professionisti, medici e avvocati, che acquistano con disponibilità più contenute rispetto ai grandi patrimoni e che si rivolgono ad opere di dimensioni più piccole e ad investimenti ponderati. Si tratta di una parte del mercato meno spettacolare, ma ugualmente essenziale. La distinzione emersa tra compratori americani, associati a una maggiore capacità di spesa, e tedeschi, descritti come più numerosi ma prudenti negli importi, suggeriva proprio questa pluralità.
La questione dei costi diventa visibile anche nell’organizzazione degli stand. Daniel Hug ha precisato che circa un terzo delle gallerie ha prenotato una superficie inferiore, seguendo una tendenza già iniziata negli anni precedenti. Il numero degli espositori resta sostanzialmente stabile, ma cambia lo spazio che ciascuno può o sceglie di occupare. Una riduzione della metratura significa sicuramente la volontà di contenere le spese, ma comporta anche decisioni sulla selezione delle opere, sui formati e sulla costruzione della presentazione.
Da questo punto di vista è interessante Collaborations, uno dei quattro settori della fiera insieme a Galleries, Neumarkt e Art + Object. Condividere uno stand permette di distribuire i costi e, osserva Hug, di rischiare di più nelle proposte. È un aspetto concreto della collaborazione tra gallerie, che può incidere sulla visibilità di ricerche meno facilmente vendibili. Nel settore Neumarkt, dedicato alle proposte contemporanee, figura tra i nuovi ingressi anche l’italiana Lunetta 11 con opere dell’artista Ismaele Nones.
Cambiamento generazionale
A queste condizioni si aggiunge il cambiamento generazionale. Millennials e generazione Z rappresentano un pubblico con cui il sistema delle gallerie deve costruire relazioni che richiedono tempo. Durante la conferenza si è parlato della propensione dei nuovi acquirenti a comprare in fiera, dove si concentrano occasioni di confronto e possibilità di scelta. Trasformare un primo acquisto in una frequentazione continuativa dell’arte richiede però esperienza, fiducia e familiarità con il lavoro degli artisti. All’inaugurazione era presente anche Wolfram Weimer, il ministro di Stato responsabile per la Cultura e i Media.
Le dichiarazioni di attenzione verso il settore sono un segnale da accogliere, ma resta da capire come si tradurranno in strumenti capaci di incidere sul lavoro quotidiano delle gallerie e degli artisti. Tra le presentazioni segnalate dalla fiera, la galleria di Palma di Mallorca Baró dedica un focus a Eva Lootz, nata a Vienna e attiva in Spagna, attraverso installazioni, sculture e fotografie. È uno dei tre progetti di approfondimento di questa edizione, insieme all’ambiente di specchi di Christian Megert, ricostruito dalla galleria svizzera Dierking a partire dal lavoro presentato a documenta nel 1968, e al focus su Hermann Nitsch, con le gallerie Lisa Kandlhofer e Zimmermann Kratochwill e il contributo della Nitsch Foundation.
Il filo che ho seguito con maggiore interesse è stato però quello della fotografia. Mi è sembrato uno dei punti di forza di questa edizione, in quanto un mezzo capace di tenere insieme proposte attuali e lavori ormai storici, restituiti alla visibilità attraverso nuove presentazioni. In particolare, la presenza di ricerche femministe permette di osservare come immagini nate cinquanta o sessant’anni fa possano intervenire ancora nel presente. La distanza cronologica non ne esaurisce la forza e in alcuni casi rende ancora più evidente la persistenza delle questioni che affrontano.
Capacità di riattivazione
In questo percorso, per me è stato particolarmente significativo lo stand della galleria Gisela Clement di Bonn, che ha preso parte anche ad Artissima a Torino. La continuità del suo lavoro con le artiste femministe costituisce un punto di riferimento e restituisce una profondità che va oltre l’occasione fieristica. Tra le artiste presentate quest’anno figurano Ulrike Rosenbach, Gabriele Stötzer e l’italiana Mariuccia Secol: presenze che consentono di riconoscere percorsi differenti, senza ridurre la ricerca femminista a un linguaggio unitario.
Mi interessa soprattutto ciò che accade quando queste opere vengono ripresentate. Un’immagine torna davanti a un pubblico che può incontrarla per la prima volta, mentre chi la conosce la osserva in un contesto diverso. Nel percorso della fiera ho avvertito questa capacità di riattivazione, una vivacità che impedisce di considerare tali lavori soltanto come documenti di una stagione conclusa. La loro circolazione sul mercato pone anche una questione critica. L’ingresso in nuove collezioni e la rinnovata visibilità possono favorire il riconoscimento di artiste a lungo rimaste ai margini. La continuità del lavoro di una galleria conta molto perché permette di accompagnare la presentazione delle opere con una conoscenza che si costruisce nel tempo.
Un’altra sosta significativa è stata quella dedicata allo Zadik, il Centro per lo studio del mercato dell’arte tedesco e internazionale dell’Università di Colonia. La mostra Grenzenlose Kunst? Kunsthandel zwischen DDR und BRD indaga gli scambi artistici e commerciali tra Germania orientale e occidentale. Il punto interrogativo del titolo, traducibile come “Arte senza confini?”, introduce una riflessione fondamentale per la storia tedesca, ovvero attraverso quali persone, istituzioni e percorsi le opere hanno attraversato la frontiera tra i due Stati. La mostra affronta il rapporto tra produzione, esposizione e vendita nell’economia regolata della DDR, ricostruendo gli intrecci tra politica culturale, interessi economici e reti di scambio.