La migliore ceramica italiana contemporanea è di scena a Milano. Il progetto rappresenta una mappatura e una sintesi di alcune delle principali espressioni artistiche legate alla ceramica del XX e XXI secolo, promuovendo un avvicendamento tra autori di diverse generazioni che, in maniera ricorrente o sporadica rispetto alla propria produzione, usano le tecniche di lavorazione dell’argilla proseguendo, recuperando o rivoluzionando la straordinaria manualità della formatura e il valore cromatico-luministico delle smaltature.

Dal 12 gennaio 2024 all’11 gennaio 2025, BUILDINGBOX presenta FAVENTIA. Ceramica italiana contemporanea, un progetto espositivo a cura di Roberto Lacarbonara e Gaspare Luigi Marcone che coinvolge dodici artisti italiani chiamati a esporre sculture e installazioni realizzate in ceramica: un programma dedicato alla secolare tradizione artistica della città di Faenza, tra i principali distretti produttivi nazionali, nonché sede ed epicentro di progetti e musei tematici come il “MIC Museo Internazionale delle Ceramiche”, il “Premio Faenza” e il “Museo Carlo Zauli”. La presentazione delle opere avverrà il 12 di ogni mese: “numerologia” che allude alla ciclicità e alla sintesi tra elementi terreni, spirituali e temporali, oltre alle numerose simbologie legate al numero 12 nella storia e nelle culture di diverse parti del mondo.

Città divenuta sinonimo della ceramica maiolicata in molte lingue – il francese (faïance), l’inglese (faience) – l’antica Faventia è terra di produzione artigiana sin dall’epoca romana, caratteristica che sarà potenziata nei secoli successivi. In anni recenti molti sono gli artisti che hanno fatto ricorso alle fornaci faentine – anche grazie a progetti di residenze, mostre, workshop, premi, riviste – per la produzione artistica di sculture di medie e grandi dimensioni, spesso pensate per uno sviluppo ambientale e installativo. L’atto primario e demiurgico di forgiare la terra conferisce alla ceramica uno statuto esclusivo, quasi un’ontologia, la condizione aurorale della scultura. Nell’immediatezza plastica della manipolazione che precorre la cristallizzazione di una cottura, vi è tutta la naturalezza di un procedere per trasformazioni lente e meditate tra progettualità e casualità. Nella ceramica, come in un disegno, c’è il seme di un’origine, quella sorgività dell’immagine e delle cose nell’attimo stesso del loro concepimento. Dunque, la ceramica – al di là delle categorizzazioni tra artigianato, arte, oggetto d’uso, pezzo unico o seriale – detiene una intermedietà (o intermedialità) tra pensiero e gesto, tra segno e plastica, tra forma e colore operando, inoltre, con vari elementi naturali come terra, acqua e fuoco e ibridando linguaggi, tecniche, ricerche e conoscenze tra gli artisti e gli artigiani.

12 gennaio – 11 febbraio 2024

Gianni Caravaggio

Il primo artista ospitato nella rassegna FAVENTIA. Ceramica italiana contemporanea è Gianni Caravaggio (Rocca San Giovanni, 1968), con l’opera Coppia con sentimenti antichi (2016) in argilla rosa refrattaria che dona effetti carnosi e “umanizzanti” alla scultura. Una scelta che risale alla ricerca di un archetipo, di una primarietà espressiva definita dalla tecnica e dalla materia oltre che dai riferimenti simbolici e iconologici della scultura. La forma cilindrica d’argilla, sezionata in due parti con l’impiego di un filo di ferro con l’argilla ancora fresca, mostra i segni del taglio inferto al volume compatto e qui dischiuso per assumere nuova configurazione. Una fenditura che, a ben guardare, rivela l’imperfetta coincidenza delle due sezioni, mostrando la non-corrispondenza e l’assoluta individualità dei soggetti che compongono la coppia.

È proprio il tema della coppia che Caravaggio interroga, rievocando il celebre Simposio di Platone (IV secolo a.C.) in cui si narra del gesto perentorio di Zeus che recide l’originaria unità dell’individuo, frantumandone la totalità, producendo la distinzione tra il maschile e il femminile e destinando gli uomini alla perenne ricerca di una perduta perfezione. Da qui la scelta di disporre i due corpi della scultura in direzione opposta, assumendo una postura che allude alla “forma melanconica” dell’infinito e segna l’apertura verso un destino ignoto. Nel mostrare i propri sentimenti e la propria interiorità, le due anime fronteggiano la storia e giungono all’eterno in un accordo che unisce ma non lega. Attraverso questa soluzione, Caravaggio ispeziona un tema arcaico molto ricorrente nelle terrecotte etrusche figurate che, apposte sui sarcofagi degli sposi, immortalavano la relazione tra i due coniugi oltre a rievocare, indirettamente, l’atto veterotestamentario della creazione/separazione di Adamo ed Eva. Inoltre, se il linguaggio mitico narra di Chronos, dio del tempo, che taglia le ali di Eros riportando sulla terra l’amore idealizzato ed etereo, denotando contemporaneamente la volontà del tempo di dominare l’amore, anche questo atto che separa e allontana le sculture sa produrre una dimensione nuova, riportando il dualismo nel cuore dell’unità e consegnando la totalità all’eterno divenire. Per Caravaggio la scelta della materia è sempre emblematica divenendo “materiale” artistico e concettuale: infatti Coppia con sentimenti antichi è eseguita in argilla, materiale primario e primordiale dell’atto scultoreo. L’opera è stata realizzata nei laboratori del Museo Carlo Zauli di Faenza.

13 febbraio – 11 marzo 2024

Liliana Moro

La seconda artista ospitata nella rassegna FAVENTIA. Ceramica italiana contemporanea è Liliana Moro (Milano, 1961) con l’opera in terracotta ingobbiata e foglia di nespolo intitolata Still Life (2020). L’artista si confronta con un genere secolare – la “natura morta” – riattualizzando soggetti, tecniche e spirito di ricerca. La composizione vede protagoniste due melagrane bianche. Nel corso dei millenni la melagrana ha avuto moltissime simbologie, allegorie, metafore; nell’Esodo (28:33), per il manto dell’ efod – paramento sacro ebraico – si legge: “All’orlo inferiore del manto, farai delle melagrane” arrivando a simboleggiare, secondo alcune tradizioni ebraiche, “onestà” visto – l’ipotetico – numero di 613 semi o arilli contenuti nel frutto come i 613 precetti della Torah; attributo della Grande Madre, frutto paradisiaco in alcune religioni monoteiste, amoroso nel Cantico dei Cantici, di ciclicità tra vita e morte nell’antichità classica sarà raffigurata anche da celebri artisti del Rinascimento in opere di soggetto mariano (si pensi a Vittore Carpaccio, Antonello da Messina o Sandro Botticelli) evocando di volta in volta nel corso dei secoli fecondità, abbondanza, amore, passione, martirio fino all’unità dei popoli. Al di là di questi pochi e rapsodici esempi, Liliana Moro, si potrebbe dire paradossalmente, svuota il frutto lasciandone solo l’epicarpo coriaceo. La “natura morta” in questo caso è tale perché vittima di una violenza, un foro concettualmente riconducibile a una picconata o a una beccata lascia intravedere l’oscurità interna, imperscrutabile, dell’oggetto in contrasto con il candore esterno. Aggiunge linfa al lavoro un elemento destinato a modificarsi nel tempo ossia una vera foglia di nespolo, sacro a Chronos, e il cui frutto è simbolo di saggezza e di pazienza.

Dalle nature morte di profumo metafisico dipinte de Filippo De Pisis alle “nature” dall’afflato cosmico di Lucio Fontana, l’opera di Liliana Moro, carica della consueta essenzialità e polisemia, crea ponti tra passato e futuro riflettendo su temi strettamente contemporanei. L’opera è stata realizzata in collaborazione con Davide Servadei – Bottega d’Arte Ceramica Gatti di Faenza.

12 marzo – 11 aprile 2024

Lorenza Boisi

Il terzo appuntamento della rassegna FAVENTIA. Ceramica italiana contemporanea è dedicato all’opera Ondulux (2017-2024) di Lorenza Boisi (Milano, 1972) composta, si potrebbe dire, da frammenti biografici colorati, realizzati in questi ultimi anni. Alla stregua di vecchie lamiere ondulate, adoperate nelle coperture provvisorie o semipermanenti di edifici industriali, le lastre di ceramica di Boisi appaiono logore, consunte e frammentarie, bucate in più parti, come estratte da una originale allocazione a esaurimento della propria funzionalità. All’origine della scultura, un ricordo d’infanzia: un evento meteorologico violento degli anni Settanta che, tra tetti scoperchiati di case e capannoni, alberi sradicati e la disperazione della gente, segnò la memoria dell’artista “per via dell’inatteso arrivo di una vasta lastra di ondulux tipicamente verde, strappata chissà da quale dove, per atterrare sul nostro giardino pensile”. Emulando la forma modellata nel tipico profilo “a onda” – concepito nelle lamiere di plastica o metallo per aumentare la resistenza agli sforzi di flessione – Boisi alimenta l’ambiguità visiva e giunge alla sottile contraddizione tra materiali estremamente differenti in termini di impiego e resistenza. Della fragilità della ceramica sappiamo. Conosciamo gli usi affettivi e domestici, le antiche testimonianze di civiltà che, dalla forgiatura della terra, traevano forme e sostegni, ma anche ornamento e figure. Boisi attinge, innanzitutto, alla produzione di fabbrica, approdando a un modello, a una soluzione e a una superficie capaci di mostrare tanto la linearità del disegno progettuale e serializzato, quanto l’irregolarità e imperfezione di un fare manuale, irregolare e non funzionale. Da tempo al centro della produzione dell’artista milanese, le sue sculture in ceramica rivelano l’immediata esigenza di plasmare la materia in assoluta autonomia, senza mai demandare alle maestranze.

Un approccio che ben si addice alla ricerca di immediatezza espressiva, esistenziale ed emotiva nel segno pittorico e scultoreo, laddove le forme, le narrazioni, gli echi mitici e gli oggetti della memoria personale compongono un universo plastico dalla forte “emotività concettuale”, come spesso dichiara l’artista. Gesti liberi e cromie accese di gusto genuinamente naïf accanto a un’esibita perizia tecnica e sintesi formale, come nelle opere in mostra che, occupando lo spazio per via di illogiche disposizioni e sovrapposizioni, rivelano la sua connaturata insubordinazione, fuggendo dalla presunta simulazione dell’oggetto verso l’invenzione di un corpo-onda che ostenta la sua pelle smaltata di nuova luce e trasparenza. “L’ondulux ha un bellissimo nome: Luce ondulata; sì, perché è come guardare, attraverso quelle increspature, dei bassi fondali” ricorda l’artista. Le particolari cromie dei lavori sono state realizzate nei laboratori del Museo Carlo Zauli di Faenza.

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