I musei di Londra accolgono il pubblico della Frieze Week 2024, dal 9 al 13 ottobre, con mostre che spaziano dai finalisti del Turner Prize alla Tate Britain, a Van Gogh per i 200 anni della National Gallery, fino a Francis Bacon alla National Portrait Gallery e Mike Kelly alla Tate Modern, passando per Lygia Clark e Sonia Boyce alla Whitechapel, Michael Craig-Martin alla Royal Academy e le incisioni di Lucian Freud al V&A. Numerosi i progetti site-specific, tra cui quelli di Lauren Halsey alla Serpentine e di Mire Lee per la Hyundai Commission alla Turbine Hall e molte altre proposte, tra grandi classici e prime presentazioni nel Regno Unito.

Ecco la selezione di ArtsLife, con le mostre presentate attraverso le parole delle istituzioni che le propongono.

National Portrait Gallery

“Francis Bacon: Human Presence” (dal 10 ottobre 2024 al 29 gennaio 2025)

«Con oltre 55 opere dagli anni Cinquanta in poi, questa mostra esplorerà il profondo legame di Francis Bacon con il ritratto e il modo in cui ha sfidato le definizioni tradizionali del genere.
Dalle sue risposte alla ritrattistica di artisti precedenti, ai dipinti di grandi dimensioni in memoria di amanti perduti, le opere provenienti da collezioni private e pubbliche illustreranno la storia della vita di Bacon. Accompagnati dagli autoritratti dell’artista, tra i personaggi che si sono avvicendati ci sono Lucian Freud, Isabel Rawsthorne e gli amanti Peter Lacy e George Dyer»

National Gallery

“Van Gogh: Poets and Lovers” (fino al 19 gennaio 2025)

La National Gallery celebra un doppio anniversario: in occasione del duecentesimo anno della fondazione il museo ha aperto al pubblico la grande mostra “Van Gogh: Poets and Lovers” che ricorda anche il centenario dell’acquisizione da parte dell’istituzione de Girasoli e Sedia di Van Gogh (1888), due delle sue opere più note. Si gratta della prima mostra del museo dedicata a Van Gogh e la prima a concentrarsi sulle trasformazioni immaginative dell’artista, esplorando il suo processo creativo e le sue fonti di ispirazione, attraverso gruppi di dipinti e opere su carta.
Nel percorso espositivo si susseguiranno oltre 50 opere e prestiti da musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui importanti quadri provenienti dal Kröller Müller Museum di Otterlo, Paesi Bassi, dal Van Gogh Museum di Amsterdam e dal Musée d’Orsay di Parigi.

«Nel corso della sua carriera, Hockney ha trovato ispirazione nel lavoro di altri artisti. Non si stanca mai di guardare i dipinti. Per lui c’è magia ogni volta, che si tratti di un quadro in una galleria o di un poster molto amato a casa.
Questa mostra molto personale riunisce due dipinti di Hockney, uno raffigurante la madre e il padre e l’altro l’amico curatore Henry Geldzahler. I due quadri sono esposti con il filo conduttore che li lega, il Battesimo di Cristo di Piero della Francesca.
My Parents e Looking at Pictures on a Screen includono entrambe immagini di dipinti della National Gallery, un luogo che Hockney conosce e ha amato nel corso della sua lunga carriera. Gli artisti i cui ritratti e paesaggi sono allineati alle pareti sono per lui suoi contemporanei. I loro dipinti lo ispirano oggi come qualsiasi altra influenza sul suo lavoro».

Serpentine Galleries

“Lauren Halsey: emajendat”, Serpentine Gallery South (dal’11 ottobre 2024 al 2 marzo 2025)

«”emajendat“, la prima mostra personale dell’artista nel Regno Unito, trasforma la Serpentine South Gallery in un “Funk garden” immersivo che risponde alla posizione dell’edificio nei Kensington Gardens, offrendo un’estensione del parco nelle gallerie. Al centro della mostra c’è una versione a grandezza naturale delle vignette tipiche di Halsey, solitamente viste in miniatura all’interno di sculture o come tableaux intricati. Qui, un pavimento prismatico e pareti realizzate con CD fanno da cornice a figurine in scala, funkmound e una fontana d’acqua viva. La prima opera di immagini in movimento dell’artista è presentata insieme a dune di sabbia e a una carta da parati su misura.

Nell’ultimo decennio, Lauren Halsey (nata nel 1987 a Los Angeles, USA) ha sviluppato un linguaggio visivo distinto e profondamente radicato nel South Central Los Angeles, dove la sua famiglia vive da generazioni. Attraverso oggetti e installazioni, Halsey archivia e rimescola i segni e i simboli mutevoli del suo ambiente, raccogliendo materiale fisico e grafico dal suo quartiere. Nel suo lavoro Halsey fonde passato, presente e futuro attraverso il suo interesse per l’iconografia legata alla diaspora africana, alle icone nere e queer e all’architettura. Halsey cita la stratificazione collettiva sonora e visiva associata alla musica funk come modello per il suo approccio alla creazione, attraversando il tempo e attingendo a una vasta gamma di fonti».

«Tracciando la storia dei precedenti Serpentine Pavilions, Minsuk Cho ha osservato che spesso emergono come una struttura unica situata al centro del prato della Serpentine South. Per esplorare nuove possibilità e narrazioni spaziali inedite, Cho si avvicina al centro come a uno spazio aperto. Il 23° Padiglione della Serpentine immagina un vuoto unico circondato da una costellazione di strutture più piccole e adattabili, posizionate strategicamente alla periferia del prato. Intitolato Archipelagic Void, il Padiglione è composto da cinque “isole”, ciascuna delle quali è unica per dimensioni, altezza e forma. Costruite prevalentemente in legno, queste strutture sono sostenute da piedritti identici che si adattano alla topografia leggermente inclinata del sito».

Whitechapel Gallery

“Lygia Clark: The I and the You. Sonia Boyce: An Awkward Relation.” (dal 2 ottobre 2024 al 12 gennaio 2025)

La Whitechapel Gallery presenta «due mostre concepite appositamente per essere in dialogo tra loro. “Lygia Clark: The I and the You” e “Sonia Boyce: An Awkward Relation” esplorano momenti cruciali della carriera delle due artiste, in cui ciascuna ha iniziato a sperimentare pratiche partecipative.
Sebbene separate dal tempo e dalla geografia, e pur lavorando in contesti culturali e socio-politici diversi, le artiste condividono un profondo interesse nell’affrontare e modificare il rapporto tra artista, opera d’arte e pubblico, spesso invitando a un impegno diretto con le loro opere, che comprende il tocco, la manipolazione e persino l’abitare.
Abbinando le due artiste in questo modo, il pubblico è invitato a riflettere sulle somiglianze e sulle differenze delle loro opere e dei loro approcci, fornendo anche un punto d’incontro tra storie dell’arte e contesti culturali diversi.
Nel corso degli anni, la Whitechapel Gallery ha svolto un ruolo significativo nel promuovere l’arte latinoamericana e nel presentare il lavoro di artisti britannici provenienti da contesti culturali diversi nel contesto della storia dell’arte moderna e internazionale. Queste mostre parallele proseguono questa ricerca, assicurando una prospettiva ampliata piuttosto che atomizzata sulle pratiche artistiche transnazionali».

“Peter Kennard: Archive of Dissent” (fino al 19 gennaio 2025)

Peter Kennard, nato nel 1949 nel Regno Unito, è «un artista e attivista londinese, nonché professore emerito di arte politica presso il Royal College of Art. “Archive of Dissent” rappresenta una delle più ampie esposizioni del lavoro di Kennard fino ad oggi ed è stata concepita appositamente per la Whitechapel Gallery. La mostra, che occupa tre gallerie all’interno dell’ex biblioteca di Whitechapel, riunisce opere provenienti da cinque decenni di prolifica e influente carriera dell’artista, offrendo un importante archivio di storia sociale e politica e illuminando una pratica artistica che ha continuamente contrastato e protestato contro lo status quo».

“Archipelago: Visions in Orbit” (fino al 5 gennaio 2025)

«Attraverso le opere enigmatiche ed eteree di Esther Teichmann (nata nel 1980, Germania) e Jakob Rowlinson (nato nel 1990, Regno Unito); le rappresentazioni dell’emergere e del riflettere nei dipinti di Jade de Montserrat (nata nel 1981, Regno Unito) e nei rilievi scultorei di Cameron Ugbodu (nato nel 2000, Austria), accanto alle considerazioni sulle storie diasporiche nelle documentazioni performative di Daniella Valz Gen (nata in Perù) e Güler Ateş (nato nel 1977, Turchia), le opere di Güler Ateş (nato in Perù) sono state presentate in un’unica occasione. 2000, Austria), insieme alle considerazioni sulle storie diasporiche nelle documentazioni performative di Daniella Valz Gen (nata in Perù) e Güler Ateş (nato nel 1977, Turchia), la mostra presenta una costellazione di creatori di miti, sognatori e documentaristi artistici contemporanei. Attraverso le loro immaginazioni narrative collettive e individuali, gli artisti esplorano i temi della migrazione, dell’appartenenza e della connessione.
La mostra parla della storica sede della Galleria a Whitechapel, nell’East London, un luogo che ha visto e continua a vedere l’incontro di comunità di migranti in un periodo di polarizzazione politica».

Tate Britain

Turner Prize – Mostra degli artisti finalisti (fino al 16 febbraio 2025)

Tate Modern

“Mike Kelly: Ghost and Spirit” (dal 3 ottobre 2024 al 9 marzo 2025)

«Dalla fine degli anni Settanta al 2012, Mike Kelley ha realizzato un corpus di opere diverse utilizzando disegno, collage, performance, oggetti trovati e video.
La mostra, che abbraccia l’intera carriera di Kelley, presenta le sue sculture “artigianali” realizzate con tessuti e giocattoli di peluche e le sue installazioni multimediali come Day Is Done.
Attingendo a riferimenti della cultura popolare e underground, della letteratura e della filosofia, Kelley esplora il modo in cui i ruoli che ricopriamo nella società sono legati ai fatti storici e ai personaggi immaginari dei film e delle immagini che consumiamo. A più di dieci anni dalla sua scomparsa, le riflessioni di Kelley sull’identità e la memoria continuano a risuonare.
La mostra arriva nella capitale britannica dopo essere stata presentata alla Bourse de Commerce di Parigi l’anno scorso».

“Mire Lee”. Hyundai Commmission for Tate Modern’s Turbine Hall (dall’8 ottobre 2024 al 16 marzo 2025)

«Mire Lee (1988, Corea del Sud) creerà una nuova opera site-specific per la Turbine Hall della Tate Modern, sarà la prima grande presentazione della sua ricerca nel Regno Unito. Mire Lee è nota per le sue sculture viscerali che utilizzano elementi cinetici e meccanizzati per evocare la tensione tra forme morbide e sistemi rigidi.
Dall’apertura della Tate Modern nel 2000, la Turbine Hall ha ospitato alcune delle opere d’arte contemporanea più memorabili e acclamate al mondo, raggiungendo ogni anno un pubblico di milioni di persone».

Zanele Muholi (fino al 26 gennaio 2025)

«Zanele Muholi è una delle più acclamate fotografe  in attività oggi e il suo lavoro è stato esposto in tutto il mondo. Con oltre 260 fotografie, questa grande mostra presenta l’intero arco della sua carriera fino ad oggi.
Muholi si descrive come un attivista visiva. Dall’inizio degli anni 2000, ha documentato e celebrato la vita delle comunità lesbiche, gay, trans, queer e intersessuali nere del Sudafrica».

Royal Academy of Arts

“Michael Craig-Martin” (fino al 10 dicembre 2024)

La Royal Academy of Arts presenta la più grande retrospettiva dell’opera di Michael Craig-Martin RA mai realizzata nel Regno Unito. «Figura chiave dell’arte britannica, Craig-Martin (nato nel 1941) è uno degli artisti e insegnanti più influenti della sua generazione. Curata in stretta collaborazione con l’artista, questa ambiziosa mostra abbraccerà l’ampio repertorio dei sessant’anni di carriera di Craig-Martin. Presentata nelle Main Galleries della Royal Academy, riunirà oltre 120 importanti opere che spaziano dagli anni Sessanta ai giorni nostri, tra cui sculture, installazioni, dipinti e disegni, oltre a lavori concepiti ex novo per l’occasione.
Craig-Martin è nato in Irlanda e ha studiato in America prima di trasferirsi a Londra nel 1966, dove vive da allora. Fondendo elementi di pop, minimalismo e arte concettuale, il suo lavoro trasforma oggetti riconoscibili – da oggetti domestici a dispositivi mobili, da opere d’arte famose a edifici modernisti – con colori audaci e linee semplici e non inflessibili. Combinati insieme, assumono la risonanza di quadri storici, ritratti o nature morte, un riflesso della vita contemporanea modellata a immagine degli oggetti che la definiscono.
oggetti che la definiscono. La sua influenza si estende al di là del suo lavoro; come educatore d’arte ha ispirato generazioni di artisti, in particolare molti dei Young British Artists (YBA), che hanno avuto un impatto significativo sulla scena artistica degli anni ’90, tra cui Damien Hirst, Gary Hume RA, Sarah Lucas e Fiona Rae RA».

V&A, South Kensington

“Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection” (fino al 5 gennaio 2025)

«Una selezione di scatti dei più importanti fotografi del mondo, che racconta la storia della fotografia moderna e contemporanea attarverso immagini iconiche su temi come la moda, le celebrità, il reportage e il corpo maschile».

“Lucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration” (fino al 5 gennaio 2025)

«Le prove di stampa in mostra raccontano la storia della lunga collaborazione di Freud con il maestro stampatore Marc Balakjian, e presentano i punti salienti di una collezione unica di acqueforti di Lucian Freud, la maggior parte delle quali non è mai stata esposta fino ad ora».

“Naomi in Fashion” (fino al 6 aprile 2025)

«La prima mostra nel suo genere che esplora la straordinaria carriera della modella Naomi Campbell. Attraverso il lavoro di designer e fotografi di fama mondiale, celebriamo le sue collaborazioni creative, il suo attivismo e il suo impatto culturale di vasta portata».

Barbican Centre

“The Imaginary Institution of India. Art 1975–1998” (dal 5 ottobre 2024 al 5 gennaio 2025)

«Un’importante mostra collettiva di opere d’arte realizzate in risposta al cambiamento del panorama politico-culturale dell’India durante anni cruciali. Con opere di oltre 30 artisti indiani, questa grande mostra è incentrata su due eventi trasformativi della storia dell’India: La dichiarazione dello stato di emergenza da parte di Indira Gandhi nel 1975 e gli esperimenti nucleari di Pokhran nel 1998. Il periodo difficile che intercorre tra questi anni è stato segnato da sconvolgimenti sociali, collasso economico e rapida urbanizzazione.

All’interno di questa turbolenza, la vita ordinaria è continuata e gli artisti hanno realizzato opere che distillano episodi storicamente significativi, ma anche momenti intimi ed esperienze condivise. Attraverso una gamma di media, le opere vivaci e urgenti in mostra – sull’amicizia, l’amore, il desiderio, la famiglia, la religione, la violenza, la casta, la comunità, la protesta – sono documenti profondamente personali di un periodo di enormi cambiamenti.
Si tratta della prima mostra istituzionale che ripercorre questi anni definitivi, con molte opere mai viste prima nel Regno Unito.
Nel percorso esposiyivo saranno presentate opre di Pablo Bartholomew, Jyoti Bhatt, Rameshwar Broota, Sheba Chhachhi, Anita Dube, Sheela Gowda, Sunil Gupta, Safdar Hashmi, M.F. Husain, Rummana Hussain, Jitish Kallat, Bhupen Khakhar, K.P Krishnakumar, Nalini Malani, Tyeb Mehta, Meera Mukherjee, Madhvi Parekh, Navjot Altaf, Gieve Patel, Sudhir Patwardhan, C.K.Rajan, N. N. Rimzon, Savi Sawarkar, Himmat Shah, Gulammohammed Sheikh, Nilima Sheikh, Arpita Singh, Jangarh Singh Shyam, Vivan Sundaram, J. Swaminathan».

Estorick Collection

Antonio Calderara: A Certain Light (fino al 22 dicembre 2024)

«Antonio Calderara (1903-1978) è noto per le sue immagini astratte delicate e squisitamente equilibrate che, nella loro sobrietà e sottigliezza, presentano affinità con l’opera di Giorgio Morandi. Visse e lavorò intorno al Lago d’Orta, nel nord Italia, un paesaggio che gli offrì una costante ispirazione e che fu inestricabilmente legato al carattere e allo sviluppo della sua arte.

All’inizio della sua carriera, negli anni Venti, passò da uno stile figurativo espressivo a quella forma di realismo accentuato o “magico” esplorato da molti artisti in Italia negli anni tra le due guerre, mentre i suoi dipinti degli anni Trenta già accennavano alla direzione che avrebbe preso la sua arte con la loro precisione e il fascino degli effetti atmosferici. Alla fine degli anni Cinquanta, l’artista ha affinato e distillato le sue rappresentazioni del paesaggio in forme essenziali e geometriche, creando immagini pervase dal silenzio e soffuse di luce, che si muovono sull’orlo dell’astrazione. A partire dal 1959, le sue opere eliminano ogni riferimento al mondo oggettivo, pur continuando a esplorare gli stessi armoniosi rapporti formali di prima.

Con questi ultimi dipinti, Calderara dimostra di essere un artista proiettato verso l’esterno, il cui immaginario è in sintonia con gli sviluppi contemporanei nel campo dell’astrazione, non solo in Europa ma anche negli Stati Uniti, avendo punti di contatto con il lavoro di figure come Max Bill, Josef Albers, Agnes Martin e Barnett Newman.

Organizzata in collaborazione con la Lisson Gallery, questa è la prima mostra museale dedicata a Calderara nel Regno Unito. Comprenderà circa 50 opere che abbracciano la carriera dell’artista, tra cui una serie di dipinti figurativi realizzati prima del suo passaggio all’astrazione geometrica alla fine degli anni Cinquanta».

 

Camden Art Center

“Nicola L. I Am The Last Woman Object” (dal 4 ottobre al 29 dicembre 2024)

«Spesso celebrata nel contesto della Pop Art, del Nouveau Realism, del femminismo e del design, non è ancora stata esplorata a fondo la natura multistrato ed espansiva della pratica di Nicola L. (1932 – 20218), che spaziava tra cosmologia, preoccupazioni ambientali, spiritualità, mortalità, sessualità, scultura morbida, attivismo e resistenza politica. Questa sarà la prima volta che l’intera ampiezza della sua pratica sarà esposta nel Regno Unito o nel continente europeo.
Comprendendo scultura, performance, pittura, collage e film – tutti caratterizzati da un’aria di arguzia, giocosità e sovversione radicale – la mostra sarà un’opportunità per sperimentare tutti gli aspetti della pratica multidisciplinare di Nicola L.».

“Jack O’Brien. Reward” (dal 4 ottobre al 29 dicembre 2024)

«L’artista londinese Jack  O’Brien ha ricevuto il premio per la sua presentazione a Frieze Focus 2023, con la sua galleria Ginny on Frederick,  L’artista londinese Jack O’Brien, vincitore nel 2023 del Camden Art Centre’s Emerging Artist Prize di Frieze con la sua galleria Ginny on Frederick, svilupperà una nuova importante commissione per l’iconica Gallery Three di Camden nell’autunno del 2024. L’pera con cui ha vinto il premio incentrata su una grande scultura site-specific – Volent – che ha riutilizzato una storica carrozza da corsa inglese, avvolgendola in strati di politene industriale».

Gaswork

“Riar Rizaldi: Mirage” (dal 3 ottobre 2024 al 22 dicembre 2024)

«L’artista e regista indonesiano Riar Rizaldi esplora il rapporto tra scienza, finzione e tecnologia.
Dopo una residenza presso Gasworks all’inizio dell’anno, Riar ha sviluppato un nuovo lavoro basato sul dialogo tra la fisica delle particelle contemporanea e le idee sulla natura di Dio nel misticismo tropicale Sufi, un movimento che ha prosperato nella sfera filosofica del XV secolo dell’arcipelago indo-malese.
La sua mostra Gasworks, Mirage, presenta il primo e il secondo capitolo di un progetto decennale che esplora il modo in cui la scienza moderna e la tecnologia avanzata influenzano la vita degli esseri umani e dei non umani nel sud-est asiatico.
Il film appena commissionato, Mirage – Eigenstate (2024), intreccia indagini analoghe sulla natura della realtà, posizionando la scienza occidentale come una metodologia tra le tante in una costellazione di visioni del mondo pluralistiche. Il film esplora diverse interpretazioni della realtà, dal misticismo sufi e dal monorealismo alle teorie della meccanica quantistica.
La mostra comprende anche il primo film della serie, Mirage – Metanoia (Prelude) (2023), che utilizza un’animazione in stile Hanna-Barbera degli anni Settanta per mettere in scena una conversazione tra due cosmologi sulla presenza di Dio negli atomi.
Entrambi i film sono presentati come parte di un’installazione più ampia che comprende un pavimento di piastrelle aperiodiche, un murale dipinto a mano e un nuovo fumetto che fornisce un ulteriore contesto per la serie Mirage».

British Museum

“Hew Locke. Whta have we here?” (dal 17 ottobre 2024 al 9 febbraio 2025)

Subito dopo l’art week 2024 il British Museum inaugurerà una mostra dell’artista guyanese-britannico Hew Locke (nato nel 1959) «che esplora, mette in discussione e sfida le narrazioni dell’imperialismo britannico attraverso gli oggetti della collezione del British Museum, insieme a nuove opere appositamente commissionate. Offrendo una nuova prospettiva sulla storia e sulla collezione del British Museum, che sono strettamente legate a quelle dell’impero britannico, Locke esplora i modi disordinati e complessi in cui i musei sono coinvolti in queste storie.
Locke, che è nato a Edimburgo e ha trascorso gli anni della formazione a Georgetown, in Guyana, si concentra sulle interazioni storiche della Gran Bretagna con l’Africa, l’India e i Caraibi, che hanno avuto un impatto significativo sulla storia della Guyana, dando vita a un’esplorazione molto personale degli oggetti esposti. Utilizzando tecniche interventiste, l’artista rimodella gli oggetti storici, dai primi disegni superstiti degli indigeni americani realizzati da un artista europeo a un copricapo di piume Akawaio della Guyana.
The Watchers, opere scultoree recentemente commissionate da Locke, costituiscono una parte centrale della mostra, con figure che osservano i visitatori da punti panoramici intorno all’esposizione e che si riversano nella galleria dei Lumi del Museo (Sala 1).
Questa audace ed entusiasmante mostra co-curata offre l’opportunità di aprire discussioni in corso su questioni di storia, proprietà e identità».

 

 

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