Cristóbal Gracia è nato nel 1987 a Città del Messico, luogo dove oggi vive e lavora. Dopo aver sviluppato il suo percorso di studi presso la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” ha ottenuto il premio Arte Actual BBVA Bancomer – MACG e la borsa Young Creators del National Fund for Culture. Membro di Biquini Wax EPS, piattaforma indipendente di produzione, discussione ed esposizione di arte contemporanea, la sua ricerca estetica prende forma nello scontro semiotico e nella dialettica fra fonti differenti. Le sue opere mettono in relazione personale e collettivo generando un’analisi della storia che warburghianamente fugge dalla contingenza e si fa “monumentale” e sovratemporale.
Cosa significa essere un artista e quali differenze noti fra i tuoi esordi e oggi?
Credo fermamente che l’arte sia uno degli ultimi spazi di libertà e resistenza che abbiamo e che il lavoro di un artista affronti le possibilità di riorganizzare e ridisegnare il sensibile e il simbolico. Questo può essere davvero utile per capire e sfidare il modo in cui la nostra realtà è stata costruita dal potere e dalle strutture ideologiche imposte nel tempo; qui c’è l’opportunità di contemplare la vita sotto una luce diversa e creare incontri intersezionali per pensare e sentire collettivamente. L’arte è un’esperienza sia personale sia collettiva.
Anzitutto, non posso davvero indicare un momento specifico in cui è iniziata la mia carriera, penso che l’impulso creativo sia sempre stato lì, anche prima che potessi capirlo e nominarlo. La differenza che mi stai chiedendo si sviluppa quando realizzi consapevolmente tutte le implicazioni e le responsabilità che derivano dall’essere un artista, è qualcosa che non accade dal giorno alla notte, è un percorso continuo di ricerca e apprendimento.
Quali tematiche trattano i tuoi lavori e che progetti hai in programma?
I miei progetti iniziano con una profonda ricerca storica che mi permette di collegare tempi ed eventi diversi al fine di costruire una narrazione non lineare nel presente. Nella maggior parte dei miei progetti tendo a coinvolgere diversi agenti creativi, ogni collaborazione è essenziale non solo nella fabbricazione materiale delle mie opere ma anche per le decisioni concettuali che conferiscono a ogni progetto una specificità unica. Nel mio processo di lavoro tendo a cercare le tensioni che l’arte può creare quando si lavora con dicotomie e contraddizioni appartenenti a diversi campi della conoscenza; le fratture e il movimento creati da questa tensione consentono una certa contaminazione a cui sono interessato, non mi è mai piaciuta l’idea di purezza, di controllo completo e di sterilizzazione dell’arte. Mi occupo di concetti come lo spazio pubblico, la nozione di monumentalità e le sue implicazioni politiche, storiche e sociali, dei modi in cui l’industria dell’intrattenimento viene utilizzata come strumento ideologico e come lo spostamento e la duplicità dei simboli possa cambiare completamente il loro significato a seconda di quando e da dove essi sono visti.
Nel 2019 ho trascorso più di due mesi sul Lago di Como, presso la Bikini Art Residency, lavorando a una mostra che presenteremo a Milano, alla galleria Viasaterna, a marzo. A febbraio parteciperò alla terza Triennale di Kamias a Manila, dopodiché terrò un paio di mostre in Messico e sono parte di Biquini Wax EPS, artista run-space e collettivo: abbiamo un flusso costante e infinito di progetti.
Come ti rapporti con la città e il contesto culturale in cui vivi?
Non lavoro esclusivamente nel contesto di Città del Messico ma, ovviamente, la città in cui vivo mi ha plasmato in più di un modo. I contrasti del contesto economico e politico del Messico hanno storicamente fornito all’artista un paesaggio problematico ma creativo. Credo che in Messico vi sia una certa strana energia creativa difficile da trovare in altri cosiddetti “paesi o città più strutturati”. Tuttavia, fattori esterni e internazionali hanno costruito alcuni cliché e aspettative su come dovrebbe essere “l’arte messicana” o su come dovrebbe essere un’opera di un “artista messicano”: questa è pura schifezza. Vivendo in Messico apprendi che delusione, fallimento, umorismo e speranza sono forze importanti nell’arte, utili per uscire dalle aspettative e dai cliché. La realtà è molto più complicata, non può essere limitata a una singola zona geografica, è anche un modo per semplificare le tensioni e le lotte storiche di un paese. Il mio contesto culturale non si limita al luogo e al tempo in cui vivo. L’informazione è in un flusso costante, anche i corpi. Nel 2019 ho trascorso metà dell’anno fuori dal Messico e la maggior parte dei miei ultimi anni sono stati simili, questi movimenti e flussi sono anche il mio contesto culturale. La costante delocalizzazione geografica modifica la comprensione della mia produzione artistica, la simultaneità di tempi, corpi e spazi storici in un costante discussione in movimento tra contesti specifici e globali.
Cosa pensi del “sistema dell’arte contemporanea”?
Penso che ci siano diversi sistemi nell’arte contemporanea, il modo in cui Messico e Italia operano è diverso. Penso in termini generali che il sistema dell’arte contemporanea funzioni in una rete complicata e sbilanciata di relazioni interdipendenti tra artista, spazi gestiti da artisti, curatori, critici, gallerie, istituzioni, musei, fondazioni, collezionisti, acquirenti, precari operatori culturali, il pubblico, scuole, etc. In queste categorie semplicistiche esiste una vasta gamma di tonalità, non possiamo confrontare il ruolo dell’artista di successo con quello degli artisti emergenti o le gallerie internazionali e globali con quelle locali, lo stesso con i musei, tutti giocano un parte diversa quando si tratta di costruire il cosiddetto “sistema di arte contemporanea”. Quello che ho scoperto essere un denominatore comune è che i lavoratori non salariati e gli operatori culturali precari sostengono le iniziative più interessanti e sostengono questo sistema mentre solo un piccolo gruppo è quello che coopta e capitalizza questo lavoro. Non sono ingenuo nei confronti della struttura economica e del mondo in cui viviamo, ho trovato importante la collaborazione con gallerie, fondazioni, collezionisti, nella mia carriera questo mi ha permesso di concentrarmi sul mio lavoro. Il problema è quando il sistema dell’arte inizia a emulare quello neoliberista, questo è legato a ciò che dicevo nella prima risposta, l’arte deve essere un campo di opposizione, quando il guadagno economico è l’obiettivo primario, stiamo perdendo questa forza di opposizione e resistenza, l’arte inizia a perdere significato e diventa solo merce. In termini generali, ho anche scoperto che sempre più collettivi, gruppi, scuole, spazi gestiti da artisti, curatori indipendenti e istituzioni più affermate in tutto il mondo sono alla ricerca di modi per costruire un sistema culturale che si allontani da un modello neoliberista; tornando alla prima domanda, “creare incontri intersezionali per pensare e sentire collettivamente. L’arte è un’esperienza sia personale sia collettiva.”
Di quale argomento, oggi, vorresti parlare?
Disordini del sonno, ultimamente ho problemi nel riuscire a dormire. Un’immagine o un suono si accumula ossessivamente nella mia testa e si ripete ancora e ancora, questo rende addormentarsi un compito che può richiedere ore e ore.
Questo contenuto è stato realizzato da Marco Roberto Marelli per Forme Uniche.
